1. Антон Деникин. «VideoArt/Видеохудожники»
«Одно из ключевых различий между видеоискусством и традиционным кинематографом — то, что правила сюжетосложения и работы с изображением и повествованием, которые приняты в кино, не действуют в видеоарте. Видеоискусство может не использовать актеров, не содержать диалогов, может быть совершенно не повествовательным. Видеоарт отказывается от кинематографического принципа «рассказывания историй в картинках». Основное внимание видеохудожники уделяют созданию специфических коммуникативных процессов, основанных на обмене концептуальными идеями».
Отличный путеводитель по видеоарту, изданный в электронном виде. Автор попытался объединить под одной обложкой ключевые произведения выдающихся видеохудожников. Обзор начинается с 1965 года, когда Энди Урхол и Нам Джун Пайк продемонстрировали свои первые работы, снятые на Sony Porta Pack, и заканчивая масштабной интерактивной работой Билла Симэна «Architecture of Association», созданной в 2009 году. Помимо представителей зарубежного видеоарта, Антон Деникин упоминает и российских художников, среди которых Борис Юхананов, Кирилл Преображенский, Андрей Монастырский и группа «Коллективные действия», Алексей Исаев, группа «Синие носы» и многие другие.
2. Алексей Исаев. «Антология российского видеоарта»
«Одним из первых в России, кто начал использовать компьютер для видеомонтажа был Сергей Шутов. В его ранней работе «Чувственные опыты», представлявшейся в форме видеоинсталяции, основу видеоизображения составляет порнографический фильм, деформированный с помощью компьютера до состояния полуразмытости очертаний действующих в кадре фигур. Это искаженное изображение помещено в своеобразные цветочные кулисы-рамку, обрамляющие телеэкран. При этом звуковым сопровождением видео служит женский голос за кадром, читающий любовные письма. Эта работа является весьма ярким примером постмодернистского метода совмещения на уровне одного плана выражения нескольких разнородных реальностей: частных интимных чувств, выражаемых в письмах — неизменный атрибут литературны любовных романов, коммерческого порно — новый жанр эксплуатации сексуальной темы и авторской иронии по отношению к обоим, выразившейся в сплавлении их в сентиментально-китчевом антураже».
Эта антология является первым в России профессиональным исследованием на тему развития отечественного видеоискусства. В книгу вошли описания 64 фильмов, прошедших тщательный отбор и представляющих отдельные стилистические направления и школы, тексты ведущих критиков в области видеоискусства, биографии авторов, библиография, глоссарий и «хроника избранных событий». Представленные фильмы скомпонованы по разделам: «Видео и текст», «Видео и перформанс», «Видео и ТВ», «Видео и кино», «Видео и масс-медиа», «Видео и звук». Примечательно, что главным редактором и составителем издания выступил известный художник, теоретик и литератор Алексей Исаев. Электронная версия книги доступна на сайте МедиаАртЛаба.
3. «Мифология медиа». Коллектив авторов
Цитата из описания «Архитектурного проекта» Алексея Исаева: «Для реализации необходимо вывести модульное изображение — спроецировать аудио-, видео- и слайд-программу на инсталляционное тело Объекта, то есть на прозрачные и полупрозрачные плоскости оргстекла различной конфигурации по методу оптической голографии. Объект напоминает детскую игрушку — прозрачный лабиринт, сквозь который прокатывается металлический шарик. Внутренняя структура Объекта содержит набор архитектурных контуров».
Полное название книги: «Мифология медиа. Опыт исторического описания творческой биографии. Алексей Исаев (1960–2006)». Составители этого издания преследовали цель не просто рассказать биографию Алексея Исаева, но и вписать его творчество в процесс становления нового медийного и сетевого искусства 1990–2000-х годов. Поэтому здесь собраны статьи различных авторов, в том числе и самого Исаева, которые посвящены не только ему, но и работам коллег.
4. Пьерик Сорен. «Видеопрыжок: эксцентрические кинокартины»
«В его фильмах ясно видны два различных подхода. В первом случае Сорен снимает непосредственно самого себя в том месте, которое он выбрал для действия (своем саду, кухне, так называемом музее…). Во втором случае он проецирует свое изображение, используя малюсенькую голограмму самого себя, помещенную в непропорционально маленькие декорации, построенные из оказавшихся под руками предметов и похожие на реквизит кукольного театрика. Миниатюрный Сорен предстает в виде резвого иллюзорного балагура, заброшенного в мир гигантов и испытывающего всевозможные притеснения. Общий настрой в этих фильмах, естественно, остается тем же, а упрощенные до крайности выразительные средства высмеивают напыщенность современных видеошоу и сопутствующий им эксгибиционизм авторов».
Первая русскоязычная монография о творчестве выдающегося французского художника и медиа-артиста Пьерика Сорена, подготовленная специально к его ретроспективе, проходившей в московском Центральном доме художника весной 2007 года. Сорен известен активным использованием хромакея, созданием «оптического театра» (по принципу Эмиля Рейно) с голографическими проекциями и другими необычными технологиями. При этом он часто сам снимается в своих работах, исполняя все роли. В книге содержится подборка искусствоведческих статей, переводных публикаций из французских таблоидов, высказываний художника, а также его сценарии и титры из фильмов.
5. Андрей Хренов. «Маги и радикалы: век американского авангарда»
«В результате мы воспринимаем фильм, ритм которого не синхронизирован (как можно было бы ожидать от проекции на 24 кадра) с нашим ритмом, что создает значительную напряженность. Эта несостыковка внутреннего ритма экранного персонажа и нашего, зрительского, выявляет и подчеркивает наше отчуждение от экранного, иллюзионистского образа. Она заставляет воспринимать этот образ как «другой», изначально чуждый, загадочный и потому непознаваемый. Если иллюзионистские визуальные коды «фабрики грез» тщательно маскируют расхождение между видимым и познаваемым, то вуайеристская стратегия уорхоловской «Фабрики» его только подчеркивает».
Эта книга, выпущенная в рамках легендарной серии «Кинотексты» издательства «Новое литературное обозрение», посвящена малоизвестной в России истории американского киноавангарда 1920–80-х годов. Здесь представлены такие выдающиеся режиссеры и художники, как Майя Дерен, Кеннет Энгер, Стэн Брекидж, Йонас Мекас, Энди Уорхол, Нам Джун Пайк и другие. Автор не только описывает стиль и особенности того или иного авангардиста, но и дает комплексную характеристику различных направлений американского киноавангарда. В приложении приводятся переводные статьи и интервью с Йонасом Мекасом, Стэном Брекиджем, Майей Дерен, Брюсом Познером, биографические справки и фильмографии.
6. «Расширенное кино / Expanded Cinema»
«Видеоарт, часто воспринимаемый непрофессиональной аудиторией как младший брат кино, на самом деле существует в абсолютно иной системе координат. Система координат, в которой он работает, — это, по сути, объединенные территории перформанса 1960-70-х и, в известной степени, — визуальные искусства. Существенная разница в морфологии языков киноискусства и видеоискусства — в их понимании категории движения, времени и пространства. Стремление к нарративности, риторике — в этом был смысл, цель и все выразительные средства кинематографа. Видеохудожник же сознательно отходит от приемов конвенционального нарративного кинематографа. Он зачастую отказывается от синхронизации звука и изображения, его больше интересуют ритмические несоответствия, трансформация цвета, тени, бликов, форм».
Каталог-исследование, выпущенный для выставки «Расширенное кино» в рамках XII Медиа форума 33-го Московского международного кинофестиваля. Каталог состоит из трех разделов. Первый и самый большой — это теоретическая часть, в которой представлены статьи и интервью известных российских и зарубежных искусствоведов, киноведов и художников (Ольга Шишко, Кирилл Разлогов, Петер Вайбель, Раймон Беллур и другие). В этих текстах затронуты ключевые вопросы истории и теории видеоарта (чем видеоарт отличается от кино, в каком пространстве он существуют, как соотносится с экранной культурой и т.д.). Второй раздел — описание ключевых работ выставки. В третьем дана справочная информация по участникам.
7. Michael Rush. «Video Art»
«The story of Video art embraces all the significant art ideas and forms of recent times — Abstract, Conceptual, Minimal, Performance and Pop art, photography and digital art. The story also departs from art-historical categories into a new domain, that of the technological, which has its own referents and language. As an ‘art of time’, video has been used to extend, repeat, fast forward, slow down, speed up and stop time. In the hands of such artists as Vito Acconci, Bill Viola, Gary Hill and Marina Abramovic, it has explored the body of the artists, the poetry of the soul, the complexity of the mind and the inequalities fostered by gender and political prejudice».
Книга музейного практика Майкла Раша представляет собой введение в историю видеоарта — от самых ранних опытов Брюса Наумана и Вито Аккончи до концептуальных, политических и персональных инсталляций 1980–90-х годов, среди которых работы Гэри Хилла, Билла Виола, Мэри Лусьер, Михаль Ровнер. Заканчивает автор современной цифровой революцией. Особое внимание уделено новаторским работам международного уровня и относительно новым формам высказывания, например в области виртуальной реальности, альтернативной скульптуры (сочетание неподвижного материала и движущегося изображения) и т.д.
8. Jackie Hatfield. «Experimental Film and Video: An Anthology»
«White Light» continues the fascination with chrome, its principle subject for twenty-two minutes being a set of chrome-plated bath taps. The film is quite freely structured, but highly controlled, insofar as much of it is made frame by frame. It is a kind of animation, which is partly why there are animated interludes interspersed throughout the film. These are all directly derives (rotoscoped) from the filmed footage, and are intended to be seen as lying somewhere between live action (mechanical images) and drawn animation (hand-made images), in order to pose the question of what kind of drawings are those made by tracing from mechanically generated sources».
Еще одна антология в нашей подборке, которая объединяет 25 статей, посвященных теоретическим и практическим вопросам творчества признанных мастеров видеоарта, работающих в области кино, видео и цифровых медиа с 1960-х годов до настоящего времени. Помимо этих материалов, в антологию вошли интервью и очерки различных фильммейкеров, видеохудожников и пионеров интерактивного кино. Главная цель издания — показать, каким образом технологические инновации за прошедшие 40 лет повлияли на процессы видеопроизводства и расширили поле для художественных экспериментов.
9. Даниэль Бирнбаум. «Хронология»
«Чтобы по достоинству оценить искусство прошлых веков, – скажем, барочные аллегории или ренессансные религиозные мотивы – требуется неимоверное количество знаний; отчего же современное искусство должно быть иным? Наиболее сложные инсталляции Дугласа можно, конечно, понять и на «лобовом» уровне, но для зрителя, который захочет проникнуть глубже, эти работы приобретают куда большее значение. Дуглас отнюдь не затемняет смысл намеренно: его тексты, равно как и визуальные работы, кристально ясны. Просто подчас они настолько многослойны, что идеальный зритель – тот, кто способен охватить все задействованные параметры – едва ли вообще существует».
И напоследок самая мозгодробительная книга в нашем обзоре от всемирно известного арт-критика, куратора и искусствоведа Даниэля Бирнбаума. «Хронология» — важное исследование феномена видеоарта, рассмотренного через призму восприятия и переживания времени. Автор пользуется философским, антропологическим и социологическим подходами. Книга написана довольно сложным научным языком, но доставит истинное удовольствие любителям серьезных теоретических исследований и всем тем, кто хочет выйти на новый уровень восприятия видеоарта.