В результате этого урока должен появиться видеофайл, в котором еще нет анимации и движение минимально, но уже виден весь монтаж фильма, движения камеры, композиции сцен и как все это синхронизировано со звуком и действием. Такой файл можно назвать сториматиком вашего фильма. Это еще не аниматик, потому что для облегчения производства мы не будем делать движение в сценах. Фактически мы сделаем раскадровку фильма и расположим каждый кадр под подготовленный ранее звук.
Стиль изображения и анимации стоит выбрать простой, но это не означает, что ваш фильм будет слабым, есть множество примеров великолепного и при этом простого анимационного кино.
Определяем стиль
В первую очередь, дойдя до визуальной задачи в вашем фильме, стоит определить стиль. Очень важно сразу отбросить нереалистичные варианты изображения. Мы говорим о работе в одиночку и в домашних условиях, поэтому не стройте иллюзий, что вы сможете сделать что-то технологически совершенное, как Pixar. Стиль изображения и анимации стоит выбрать простой, но это не означает, что ваш фильм будет слабым, есть множество примеров великолепного и при этом простого анимационного кино.
Кадр из мультфильма «Келе» (1988) / Фото: «Союзмультфильм»
Посмотрите фильм Михаила Алдашина «Келе» (1988). Изображение здесь простое, но стильное. Нет лишней детализации ни в героях, ни в фонах. Пустота в кадре дает возможность создавать выразительные простые композиции. Показано лишь то, что необходимо для истории — когда герою надо закричать, только тогда на его лице появляется рот.
Мультфильм «Келе» (1988)
Такое изображение при этом не случайность и не прихоть, оно оправдано тем, что это чукотская сказка, и стиль соответствует изобразительной манере этой культуры. Если получится оправдать, выбранный вами простой стиль рисунка, будет прекрасно. Вариантов может быть множество, например, детский рисунок, если история, рассказывается ребенком.
Начинаем с общего плана
В нашем фильме есть структура, отраженная в сценарии — фильм состоит из эпизодов. Каждый эпизод -— отдельное место действия. Мы это продумывали на третьем уроке, теперь настало время их отрисовать. Начинайте с самого общего плана, на котором место действия будет хорошо видно целиком. Такой план в монтаже называется не просто общим, а адресным. Увидев его, зритель поймет где происходит действие.
Адресный план — это самый общий план в эпизоде, заявляющий место действия. Кадр из фильма «Пять минут до моря» (2018) / Фото: Студия анимации «Петербург»
Если вы начинаете рисовать с самого общего плана, то все остальные фоны этого места действия будут лишь укрупнениями и его фрагментами. Это удобно. В анимации нередко бывает так, что художник-постановщик рисует только самые общие планы, а команда художников, ориентируясь на них, отрисовывает уже все остальные фоны.
Рисуем ракурсы героев
Каждого героя стоит нарисовать в разных ракурсах — фас, три четверти, профиль, три четверти сзади, фас сзади. В анимации это называется крутка персонажа потому что если эти фазы-ракурсы поставить подряд и проиграть, то герой будет вращаться вокруг свой оси.
Так выглядит крутка персонажа, герой виден в разных ракурсах. Персонаж – корова Зоя из сериала «Летающие звери» (2012) / Фото: студия анимации «Да»
Самый распространенный ракурс это в три четверти, потому что удобно позволяет увидеть направление внимания героя направо или налево, и при этом не лишает его второго глаза, как в случае с ракурсом в профиль.
Начинайте с самого общего плана, на котором место действия будет хорошо видно целиком.
Так же при разработке героя вам важно обратить внимание на его действенные возможности в связи с его телосложением. Если у героя большая голова, то как он будет чесать затылок? Если у героя короткие ноги, то как он будет сидеть на стуле? Хорошенько продумайте устройство героя, вскоре вам придется следить за тем, чтобы ваш герой был узнаваем во всех сценах — у него не должны меняться пропорции или какие-то детали.
Заранее продумайте какие-то выразительные позы и жесты каждого героя. Если вы собираетесь делать акцент на крупных планах, то стоит заранее прорисовать разные эмоции для каждого персонажа.
Переходим к раскадровке
Когда изобразительный стиль, герои и фоны разработаны, пора переходить к созданию раскадровки вашего фильма. Каждый эпизод вам надо разбить на сцены. Если кадр — это застывший миг вашего фильма, то сцена — это его фрагмент от включения до выключения камеры. Несмотря на то, что анимационное кино целиком создается руками художника и аниматора, оно живет по тем же законам, что и художественное — кинокамера воображаемая, но от нее не уйти.
Общий план удобен для действия и персонажей. Старайтесь укрупняться только при необходимости. Кадр из фильма Хейки Эрница «Путешествие Лотты на юг» (2000) / Фото: Eesti Joonisfilm
Бывает, что в работе над анимационным фильмом авторы рисуют вспомогательные схемы пространства (вид сверху), чтобы точнее увидеть расположение героев и их перемещение. Нам надо заранее продумать с какой точки мы снимаем героев и как двигается камера, в какой момент она включается, а в какой выключается.
Самый распространенный ракурс это в три четверти, потому что удобно позволяет увидеть направление внимания героя направо или налево, и при этом не лишает его второго глаза, как в случае с ракурсом в профиль.
С помощью монтажа, мы имеем возможность показывать не всю жизнь целиком, а лишь те фрагменты времени, которые нам нужны для истории. И что еще важнее — мы можем на чем-то делать акцент, укрупняя изображение. Основной принцип в киноязыке — это монтаж разных по крупности сцен.
Представляем зрителю героев
В языке кино есть своя логика, которой стоит придерживаться, чтобы ваша кино-речь была, если уж не грамотной, то хотя бы связанной. Задача любого автора сделать для зрителя просмотр фильма комфортным, чтобы он не путался в героях или пространстве.
Начинать каждый эпизод лучше с общего плана, чтобы заявить место действия. Тогда зритель начнет ориентироваться в пространстве, запомнит, что находится слева, а что справа. Теперь представьте зрителю героев, как они выглядят, а главное — что они делают.
Трейлер мультфильма «Кот раввина» (2011)
В вашем сценарии должно быть прописано действие и даже если вы предполагали, что оно не так важно как диалог между героями, то вам все равно стоит продумать, чем ваши герои занимаются, пока разговаривают. Любое кино про отношения и, в идеале, отношения героев между собой, с окружающим миром или с самим собой должны быть понятны без слов. Это всегда легко проверить, выключив звук в вашем фильме. Если без звука не понятно, что вообще происходит в истории, то стоит это исправить. Слова стоит оставить литературе, кино не является иллюстрацией к словам.
Добавляем действие
Основа любого эпизода вашего фильма — драматургия, то есть событие в истории. Каждый эпизод состоит из подготовки к этому событию, самого события и реакции героев на него. Чтобы событие произошло, нужны действия. Герои должны двигаться, что-то делать, к чему-то стремиться и прилагать к этому усилия, а не просто стоять в кадре.
Действенные глаголы – важная часть сценария. В сцене из фильма Исао Такахата задача старика – срубить бамбук, задача девочки – оттащить его в сторону. Кадр из мультфильма «Сказание о принцессе Кагуя» (2013) / Фото: Studio Ghibli
Можно взять красный карандаш и в любом сценарии подчеркнуть глаголы. Чем их больше, тем лучше. Обратите внимание, бывают действенные и недейственные глаголы. «Стоять» — недейственный, у него нет цели, а значит нет и конца, это лишь процесс. Такой глагол будет не интересен ни в тексте, ни на экране. А глагол «устоять» — действенный, у которого есть цель, есть конфликт и напряжение. Такой глагол заставит героя действовать и это будет интересно. Постарайтесь использовать как можно больше действенных глаголов и в сценарии, и на экране.
Определяем, какие сцены будут в эпизоде
Для того, чтобы понять какие сцены буду в эпизоде, рекомендую вам простой принцип — оставайтесь как можно дольше без монтажных склеек на общем плане и только когда вам действительно понадобится сделать акцент, укрупняйте что-то. От того, что вы сделаете как можно больше склеек, сцен, крупностей или ракурсов ваше кино не станет лучше, так же, как не станет лучше и от того, что будет долгим.
Сцена из мультфильма «Сказание о принцессе Кагуя» (2013)
Многим начинающим режиссерам кажется, что суета камеры и последующего монтажа сделает фильм похожим на настоящее кино, но это наивное заблуждение. Главное правило монтажа — каждая склейка, каждое движение камеры или перемещение героя должны быть оправданы, иметь смысл.
Основной принцип в киноязыке — это монтаж разных по крупности сцен.
Следуйте за действием персонажей, оно само подскажет, когда потребуется что-то выделить с помощью движения камеры или монтажа. Общий план дает много возможностей: не терять место действия, иметь свободное пространство внутри рамки кадра для того, чтобы герой мог действовать и зритель мог бы увидеть это действие, на общем плане могут поместиться и несколько героев, что бывает часто. Общий план (как в театре) органичен для анимационного кино и важнее, чем крупный план с лицом и эмоциями персонажа.
Делаем раскадровку
Отрисуйте все сцены вашего фильма, следите за тем, чтобы изменения по крупности были существенными, иначе склейка будет восприниматься просто как «дрыжок», технический брак. Обратите внимание на композицию каждой вашей сцены, на выразительность расположения персонажей и объектов в кадре.
При создании раскадровки, уделите особое внимание композиции, постарайтесь сделать ее выразительной. Кадр из фильма «Кот раввина» (2011) / Фото: Autochenille Production
Удобнее рисовать вашу раскадровку сразу на компьютере, например, в программе Adobe Flash (ныне Adobe Animate). Эта программа удобна для создания анимации, к которой мы перейдем на следующем уроке, поэтому стоит рисовать раскадровку сразу там.
В языке кино есть своя логика, которой стоит придерживаться, чтобы ваша кино-речь была, если уж не грамотной, то хотя бы связанной.
Нарисуйте изображения отдельных сцен и принципиальные статичные изменения в содержании каждой сцены. В анимационном кино это называется лэйауты. Экспортируйте каждую картинку и подгрузите в программу Adobe Premier, в проект в котором на прошлом уроке мы занимались созданием звука фильма.
Накладываем звук
Теперь расположите каждый статичный кадр на верхней дорожке video в соответсвии с его местом, относительно течения звука. Вы можете растянуть или сократить каждый кадр по вашему желанию, так чтобы в фильме не осталось черных промежутков на таймлайне.
В программе Adobe Premier добейтесь синхронности изображения и звука в каждый момент фильма
Отдельные статичные кадры для каждой сцены, которые вы нарисовали в раскадровке теперь сменяют друг друга во времени течения вашего фильма. Вам надо увидеть достаточно ли этих кадров, чтобы понять что происходит на экране, возможно, надо дорисовать еще. Один кадр может продолжаться, наверное, в среднем порядка нескольких секунд, тогда на одну минуту фильма у вас должно получится порядка 25—40 кадров.
Возвращаемся к раскадровке
Скорее всего вам придется снова вернуться к раскадровке, дорисовать или перерисовать часть кадров. Это процесс, в котором вы пытаетесь добиться синхронности изображения и звука, это займет какое-то время.
Любое кино про отношения и, в идеале, отношения героев между собой, с окружающим миром или с самим собой должны быть понятны без слов.
Теперь перед вами уже полу-фильм, в котором должно быть понятно происходящее и считываться история, но пока еще нет движения героев. Отдельной задачей будет создать задуманное вами движение камеры — наезды, отъезды, панорамы, переброски, миксы. Для этого используйте инструментарий программы, в ней есть такие возможности.
Кадр из мультфильма «Пять минут до моря» (2018) / Фото: Студия анимации «Петербург»
Сделайте экспорт вашего видео-файла. Теперь у вас на руках сториматик вашего фильма, требующий лишь создания анимации, при условии, что персонажей и фоны вы уже отрисовали начисто. Как и в случае со звукоматиком, вам надо взять паузу, чтобы много-много раз пересмотреть то, что у вас получилось, понять, какие исправления вам надо внести, и сделать это, чтобы поставить в этом этапе окончательную точку.
Можно взять красный карандаш и в любом сценарии подчеркнуть глаголы. Чем их больше, тем лучше.
Итак, что мы узнали на этом уроке:
- Для создания фильма в домашних условиях стоит выбрать простой стиль изображения. Не пытайтесь создать что-то сложное, с ним будет трудно справиться в одиночку.
- Каждый эпизод вашего фильма — это отдельное место действия, в котором происходит событие. Эпизод распадается на отдельные сцены. Сцена — фрагмент фильма от включения до выключения камеры.
- Хотя в анимационном кино изображение создают художник и аниматор, принцип съемки, пусть даже и воображаемой, соответсвует тому, который используется в кино.
- Любое кино про отношения героев и эти отношения должны быть выражены в первую очередь через действие, а не через речь. Проверьте себя, посмотрев ваш фильм без звука — понятна ли история, интересно ли смотреть?
- Постарайтесь оставаться на общем плане, пока не потребуется укрупнение, акцент на чем-то. Основной принцип монтажа -— любая склейка должна быть оправдана, вы должны понимать, зачем ее делаете.
- Рисуя каждую сцену вашего фильма, обратите внимание на композицию кадра, расположение героев и объектов в пространстве горизонтального прямоугольника кадра.
- При соединении звука и изображения в программе, добейтесь точной синхронности. Проверьте как визуальный ритм действия совпадает со звуковым. В любой момент вашего фильма должна происходить эта синхронность драматургии, действия, движения героев, композиции кадра, движения камеры, речи героев, музыки или тишины, шумов.
| Миша Сафронов Сценарист и режиссер анимационного кино. В индустрии анимации с 2004 года, работал сценаристом, аниматором, художником, аниматикером, режиссером (студии «Мульт.ру», «Мельница», «Смешарики»). В 2008 году вместе с друзьями основал студию «Да» по созданию анимационных сериалов и авторских фильмов.
|
Обложка: кадр из анимационного фильма «Ван Гог. С любовью. Винсент» (2017) / BreakThru Productions