Киномузыка: как композитор помогает рассказать историю

Мы пришли на семинар Юрия Потеенко, который проходил в студии «Мосфильма». Юрий вместе с звукорежиссером Андреем Левиным показал весь процесс создания музыки на примере конкретного кинофрагмента. В качестве основы композиции была использована музыкальная зарисовка одного из участников семинара. После аранжировки, музыка была записана при участии музыкантов Большого симфонического оркестра им. П.И. Чайковского.

Композитор Юрий Потеенко и звукорежиссер Андрей Левин во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

Киномузыка и ее производство

Весь процесс создания музыки для фильма можно условно разделить на семь пунктов.

1. Постановка задачи. Режиссер озвучивает свои пожелания и, возможно, передает референсы. На этом этапе композитору важно получить максимально полное техзадание.
2. Определение стилистики. От того, в каком стиле будет саундтрек, будут зависеть средства, которые композитор использует. Это может быть как оркестр, так и семплированная музыка или их сочетания в разных пропорциях.
3. Создание темы. На данном этапе композитор сочиняет основной материал, который будет развивать по ходу работы над музыкой ко всей картине.
4. Аранжировка. Созданные мелодии аранжируются под выбранных исполнителей: оркестр, сэмплы, эстрадный ансамбль и т.п.
5. Запись оркестра и/или подбор виртуальных инструментов. Здесь композитор начинает взаимодействовать со звукорежиссером и музыкантами.
6. Сведение и мастеринг. Композитор и звукорежиссер доводят до финала музыкальное полотно.
7. Передача музыки режиссеру. После того, как музыка готова, возможны некоторые правки от режиссера. Поэтому, если позволяет время и бюджет проекта, композитор может вернуться на предыдущие этапы работы и внести желаемые корректировки в мелодию, аранжировку или записанный микс.

Во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

Музыка в кино — невидимая фигура, управляющая драматургией. Например, мы видим в кадре молчащего героя, не знаем, о чем он думает, но, услышав подходящую музыку, мы можем понять его эмоции: он огорчен или весел, он что-то задумал или ничего не понимает, а, может, он влюблен или зол. Музыка может сказать то, что герои не говорят. Поэтому для кинокомпозитора очень важно четко понимать, куда и какую музыку он пишет. Любое использование музыкального сопровождения в кино должно быть четко оправданно.

Процесс создания киномузыки, как правило, скрыт от посторонних глаз. Тем интереснее было поговорить с Юрием Потеенко и Андреем Левиным.

— Юрий Анатольевич, Вы в профессии давно — менялись ли с годами этапы создания музыки?

Юрий Потеенко: Некоторые вещи изменились кардинально. Когда я начинал работать, у композитора не было никаких электронных помощников. Музыка сочинялась на рояле и на нем же показывалась режиссеру. Только после этого писались партитуры, по которым музыканты играли на записи. В результате режиссер всегда получал сюрприз, потому что до завершения записи не было понятно, как все зазвучит в финале. Да и, честно говоря, не каждый композитор представлял, что получится в конце.

Композитор Юрий Потеенко / Фото: Евгений Пахоль  

Сейчас методы и технологии изменились — появились сэмплы, музыку можно писать на компьютере. Композитор заранее показывает режиссеру практически готовые композиции.

— Саундтреки сейчас пользуются особой популярностью у слушателей. Почему музыка, призванная подчеркнуть что-то происходящее в кадре, становится востребованной и отдельно от картины?

Юрий Потеенко: Внимание действительно высоко, и для меня это приятное обстоятельство. В наше время у серьезной, симфонической музыки, не так много слушателей. Но участие такой музыки в кино позволяет широкой аудитории с ней знакомиться. А потом, когда слушаешь саундтрек, можно представлять себе что-то, что происходило в кино, так как у этой музыки есть четкая программность. И выходит удачный трамплин — после киномузыки у зрителя может появиться желание познакомиться с более сложными и серьезными творениями.

Композитор Юрий Потеенко во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

— У музыки, как и у всех остальных элементов, из которых состоит фильм, есть свои функции. Какие Вы считаете основными?

Юрий Потеенко: Функций много, а чем дальше, тем их становится больше. В середине ХХ века музыка в кино носила иллюстративный характер, была призвана помогать ощущать атмосферу кадра.

Сейчас у музыки более эксклюзивные задачи. Она уже не занимается отображением состояния природы, подчеркивая шум ветра, дождя и так далее. Для этого существует качественное шумовое оформление. Музыка теперь занимается делами внутренними: характеризует, указывает, смеется, издевается, делает из предателя героя, поднимает интонацию кино, возвышает «бытовые» истории. Мы еще сами не до конца знаем все возможные функции музыки в кино.

Композитор Юрий Потеенко во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

— Может ли хорошая музыка сделать лучше не очень интересную сцену или картину в целом?

Юрий Потеенко: Она, безусловно, может помочь и сделать менее заметными некоторые недоработки. Но принципиально поменять общий результат — нет. Если кто-то из съемочной команды не доделал свою работу, то единственное, что вы можете сделать — это выполнить свою часть хорошо.

— Насколько важна четкая жанровость музыки, позволяете ли вы себе эксперименты и когда они уместны?

Юрий Потеенко: Эксперименты в работе композитора уместны всегда. Хотя, возможно, они могут быть неуместны в понимании режиссера. Некоторые могут оказаться очень удачными и войти в финальный материал. Но не стоит забывать про жанровость — это великая и важная вещь. Жанр структурирует все! Не зря ведь жанры мы можем узнавать с двух нот — настолько они нам привычны и понятны.

Если мы имеем дело с определенным жанром, то обязаны уметь с ним работать и знать все его необходимые признаки: стилистические, гармонические, художественные. А если мы выходим за рамки, то кино перестает существовать как жанровое и попадает в раздел авторского.

Композитор Юрий Потеенко во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

Все, что связано с понятием «авторское», сразу поднимает вопрос: насколько многочисленной будет аудитория, которой это окажется по нраву? Любой режиссер хочет зрителя, это нормально. Поэтому все эксперименты должны быть на понятном для зрителя языке.

— Позволяют ли референсы проще понять задумку режиссера, или они могут поставить на путь копирования?

Юрий Потеенко: Для меня референсы — это большая помощь, так как на словах пожелания понять гораздо сложнее. Референс объясняет мне, как музыка должна работать и какие чувства вызывать. Боязни копировать нет, потому что я не иду тем же путем.

Звукорежиссер Андрей Левин / Фото: Евгений Пахоль

— Как понять, что лучше использовать — сэмплы или записывать живые инструменты?

Андрей Левин: Все зависит от задачи, которая поставла перед композитором. Нужно определить, чего мы хотим добиться и какое должно быть эмоциональное воздействие на зрителя. Ответив на эти вопросы, мы приходим к тому, как это реализовать. Может быть, будет нужен именно «пластиковый» звук, чтобы непонятно было, скрипка это или что-то еще. А бывают ситуации, когда подойдет только струнный квартет с «дышащим» акустическим звуком. Все это решает композитор. А я, как звукорежиссер, помогаю реализовать задумку.

— А если используются сэмплы и живая запись в одном произведении, как правильно это скомпоновать?

Андрей Левин: С Юрием Анатольевичем у нас были разные опыты. Мы делали и полностью живые, и полностью синтетические, и комбинированные записи, где электроника сочетается с оркестром. В основном ведь как принято — живой оркестр играет партию, а потом то же самое прописывается в программе и подмешивается к полученному звуку, чтобы сделать его плотнее. В таком подходе основная сложность — живые инструменты имеют свой грув и они могут не совпадать с электронными, которые забиты «по сетке». В таком случае живые приходится ровнять.

Композитор Юрием Потеенко и звукорежиссер Андрей Левин во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

Но это не наш путь. Юрий Анатольевич написал для живого и для электронного оркестра разные партии, которые никак не повторяли друг друга. От мира электроники и от мира живой музыки были взяты самые сильные стороны. В таком случае технологии не становятся костылем для живого исполнения.

Отмечу, что я не призываю использовать только «живую» музыку или только сэмплы. Композитор должен использовать все возможные средства и в совершенстве работать как за компьютером, так и с оркестром. Потому что перекос в одну из сторон может сделать невозможным сочетание этих двух миров на должном уровне.

— Насколько важно помещение, в котором происходит запись?

Андрей Левин: Электронную музыку можно и писать, и сводить в ноутбуке, это нормально. Но если мы говорим об акустической музыке, то она должна записываться в подходящем для жанра помещении — оркестру и струнным нужен зал. По моему личному мнению струнные в маленьких и заглушенных комнатах никогда не звучат, как надо. Как акустической гитаре нужен корпус, так и струнным нужен зал. Они будут работать и звучать вместе с ним, и тогда их можно качественно записывать.

Многие мечтают о домашней студии, так как думают, что можно все легко свести «ночью на кухне». Но гораздо дешевле и в разы лучше прийти и арендовать студию. Ведь даже если просто прикинуть, сколько нужно средств, чтобы сделать дома подходящую акустическую обработку, закупиться всем оборудованием, собрать микрофонный парк. Даже если хорошо потратиться, оборудования все равно получится не так много, и оно будет не таким дорогостоящим, как на большой студии.

Звукорежиссер Андрей Левин во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

Дома можно составлять аранжировки, прописывать партии, репетировать. А для записи лучше арендовать студию с профессионалом и записать все несопоставимо качественнее и быстрее.

— Важно ли иметь музыкальное образование или достаточно уметь на чем-то играть и быть самоучкой, чтобы писать музыку для кино? Какие знания необходимы?

Юрий Потеенко: Мой ответ вряд ли будет популярным. Я глубоко убежден, чтобы заниматься чем-то, нужно этому учиться. Можно быть писателем, не зная алфавита, правописания, устройства предложений, не имея понимания форм, драматургии? Нет. Да, можно являться генератором очень интересных литературных идей, но воплощать это вам будут помогать другие люди, которые смогут грамотно написать придуманный вами текст.

Композитор Юрий Потеенко во время семинара в студии «Мосфильма» / Фото: Евгений Пахоль

В индустрии есть очень много не ученых, но талантливых людей, которые генерируют идеи — мелодические, стилистические. Но на конечном этапе они все равно приглашают тех, кто напишет ноты для музыкантов, грамотно запишет и превратит это в готовый продукт.

— И напоследок: талант и профессионализм — что важнее?

Юрий Потеенко: Я всегда стою на стороне таланта и возможностей, которые дала природа. Если человек талантлив, то он трудолюбив. А если он талант, но не трудолюбив — значит это талант недостаточный.

Обложка: композитор Юрий Потеенко во время семинара в студии «Мосфильма» / Евгений Пахоль